Apretar el botón con la cabeza

No, no quiero incitaros a que le déis un cabezazo a la cámara. Es que no hace mucho que alguien me dijo que para hacer fotografías yo sólo necesitaba un dedo. La persona que afirmó ésto con rotundidad, sólo usaba esa parte del cuerpo para hacer sus fotos "estupendas" y claro, no veía necesidad de nada más.
Pero lo que para muchos es más que suficiente, para otros es del todo escaso. Quizás porque creemos que no todo el que hace fotografías es fotógrafo (al igual que no todo el que escribe es escritor). El fotógrafo de verdad, necesita los cinco sentidos y emplear la mente muy a fondo. Y no lo digo sólo porque emplee técnicas o equipos complejos de uso profesional.

Me refiero a que un retrato puede resultar correcto (el que nos hacemos para el carnet suele serlo) pero una gran fotografía rara vez es fruto de la casualidad y de un simple movimiento de dedo. Conseguir una imagen admirable no se necesita de la sofisticación de un montaje de iluminación espectacular, ni la cámara más cara, ni un escenario grandilocuente... Sin ir más allá, la archiconocida imagen del desaparecido gurú de la tecnología Steve Jobs, es un caso de entre muchos del triunfo de la sencillez y del buen hacer de su autor, que tuvo que usar todo su ingenio y oficio para retratar a una persona difícil: Cómo se tomó la famosa foto de Steve Jobs

Hay muchas imágenes fotográficas que se han convertido en algo legendario, probablemente porque sus autores usaron todo su ingenio e incluso el alma para hacerlas (creo que el dedo no hizo gran cosa).

Ejemplos de esto los encontramos Joel Brodsky con sus fotografias de Jim Morrison 

Arthur Sasse con Einstein 

Annie Leibovitz con Jhon Lennon y Yoko Ono

Philippe Halsman fotografiando a Salvador Dalí

o John Kobal con el mil veces reproducido retrato de Audrey Hepburn. Si queréis conocer la historia de cómo se tomaron otras fotos célebres, podéis leerlo aquí.

Cámara especial

Hoy los tiempos adelantan que es una barbaridad. Ha salido un sistema modular para cámara

no réflex de objetivos intercambiables. Lo ha lanzado la empresa Ricoh, y lo ha llamado GXR. 

El cuerpo es un mero soporte de diferentes módulos de objetivo y sensor. De este modo, podemos crear un equipo a medida de nuestras necesidades, y completarlo a voluntad. Aquí podéis ampliar información.

¿HDR?

Qué es ese "palabro". Pues se traduce como "alto rango dinámico" y aunque parece que nos refiramos a un "señor de buena estatura con una familia muy importante y que además se mueve mucho"

en realidad se trata de una imagen con una gama de tonos muy amplia.

Cualquiera que haya intentando sacar detalles en las sombras y en las zonas más claras dentro de una misma foto, se habrá dado cuenta de la dificultad que ello supone.

Para sortear este problema, la técnica que podemos poner en práctica es la de hacer al menos tres tomas con exposiciones diferentes: una para sacar información en las altas luces, otra para hacer lo mismo en la parte más oscura de la escena, y una tercera para asegurarnos de reproducir correctamente los tonos intermedios. La diferencia de los valores de la exposición entre estas tomas vendrá dada por el contraste que tengamos que reproducir.

Para orientaros, os diré que hagáis un horquillado (automático si vuestra cámara lo tiene, o manualmente si no) con una diferencia de un Stop (un valor de exposición que podemos variar con el diafragma -ojo con la profundidad de campo-, el obturador o incluso el ISO si es necesario).
Si lo vemos necesario, podemos incluso realizar más de tres tomas (incluso en algunos contados casos -muy pocos- puede ser suficiente con dos), y también podemos variar el rango de valores de exposición a aplicar.

Bueno, una vez que tengamos listas las tomas, debemos unirlas para conseguir una única imagen final que contenga "lo mejor" de cada una. 

Nuestro amigo Photoshop nos lo facilita por medio del comando situado en el Menú Archivo/automatizar "Combinar para HDR Pro", pero que conste que hay otros programas con los que poder hacerlo. Cuando escogemos el citado comando, el programa de Adobe nos pide que le indiquemos qué archivos vamos a usar para elaborar nuestro HDR, y además, nos deja controlar manualmente si lo deseamos, el aspecto del resultado final. En este vídeo lo veréis

En este artículo podéis informaros con más detalle.

Una de las consignas que yo os daría sería la de no exagerar, no forzar demasiado los controles, evitando el efecto de irrealidad que bajo mi criterio, chirría a la vista, por muy espectacular y efectista que pueda parecer:

Tampoco os volváis locos aplicando este efecto a TODO. No cualquier imagen admite esta técnica.

Ah!, sabed que el archivo final contiene tanta información que resultará muy "pesado", así que cuidadito con los "cuelgues" de los ordenadores y con las capacidades de los PenDrives. Aquí tenéis más información sobre HDR en Photoshop para saber qué se puede hacer con esos archivos una vez creados, y qué no.

Por cierto, hay muchos "falsos HDR", llamados así por no provenir de varias tomas fotográficas, pero que imitan a las imágenes de alto rango dinámico.
Algunos de ellos se consiguen imitando su aspecto "exagerado", por ejemplo con el comando "Tonos HDR" situado en el Menú Imagen/Ajustes de Photoshop. Otra forma sería usando una sóla toma Raw, revelada de diferente manera. Estos vídeos os lo muestran

Quien no suaviza la luz, es porque no quiere

Desde luego en época de crisis el ingenio se agudiza. Muchos fotógrafos que quieren conseguir resultados más profesionales, adquieren accesorios para mejorar la iluminación sin invertir mucho dinero. Algunos son asequibles a cualquier bolsillo, y si aún así no es nuestro caso, podemos acudir a inventos de andar por casa que, con un poco de paciencia y habilidad, podemos realizar. Aquí dejo ejemplos de artilugios para comprar y versiones para "manitas".

En primer lugar, aquí tenéis la posibilidad de transformar nuestro flash portátil común, en un flash de tipo anular, para una iluminación frontal menos brusca que usando el flash "desnudo".

Round flash

Y unas versiones de Round flash casero

Flash Pop-up "anular"

También hay accesorios para flashes portátiles para tener un Beauty Dish que nos suavice la luz en los retratos, tan de moda últimamente




Y su versión casera...

aquí tenéis las pistas para fabricarlos, y otras versiones de más calidad
... e incluso un vídeo mostrando los pasos para los que se animen.

Cuando nos interese que la luz sea envolvente y suave (muy buscado para determinados objetos y productos), viene muy bien el uso de una  Caja de luz como la que aquí se enseña: plegable y versátil, con huecos en diferentes lugares para elegir nuestro punto de vista.

Sin embargo, resulta aún más económico coger una cajita de cartón y seguir los pasos que nos indican en la dirección que os añado: 

Así puedes hacer tú mismo una caja de luz muy baratita parecida a ésta.

Por último, veremos variedad de difusores y reflectores para modular la luz de los flashes de la cámara.

Difusor para flash portátil

Difusores cutres pero efectivos

Pero si la necesidad es aún mayor, y no tenemos flash portátil...

...incluso tenemos versiones para flash pop-up, el pequeñito que trae la cámara réflex incorporado en todo lo alto, para comprar o para fabricarse en casa

o para fabricarse uno mismo como ésta del papel vegetal, o la otra con un botecito de carrete analógico. Y qué decir de la pantalla de lámpara de papel y de la cajetilla de tabaco: pues que quién no tiene un difusor es porque no quiere.

Qué influye en la iluminación

Son muchos los factores que influyen en la iluminación de una fotografía. 

Origen

Podríamos empezar por determinar si la luz es de origen natural o artificial. 

La primera es mucho más económica (de momento al menos), pero no podemos tenerla en cualquier lugar a cualquier hora, y va a estar condicionada también por la situación geográfica, estación del año en la que nos encontremos y hasta por la climatología.

La alternativa artificial es mucho más versátil, ya que no depende tanto de factores "incontrolables". Teniendo una fuente de energía (red eléctrica, baterías, pilas, generadores, etc) y el aparato con su lámpara correspondiente, da igual que sean las 11 de la noche del 28 de Febrero, que las 7 de la mañana de 8 de Noviembre, y si estamos en Cádiz o en Estocolmo. 

Eso sí, hay que pagar todas las facturas...

Calidad y direccionalidad

En ambos casos, el control de la luz (en cuanto a intensidad y calidad) es posible mediante accesorios que pueden suavizarla, endurecerla, dirigirla, engrandecer o empequeñecerla... 

No son operaciones complejas, pero no son muy conocidas por el público en general, y pasan por aplicar nuestros conocimientos de las propiedades de la energía luminosa: reflexión, difusión, absorción, etc.

Un ejemplo fácil: estamos  haciendo una foto con una luz de lado, y queda oscura en el lado opuesto. Aprovechando que una superficie lisa refleja la luz como un espejo (reflexión especular), la situamos para rellenar la zona oscura, como podéis ver en las imágenes.

Además, eso podemos hacerlo con cualquier tipo de luz y sin grandes infraestructuras: cualquier material que refleje la luz nos puede valer, hasta un papel corriente o un trozo de corcho blanco de los que vienen en los embalajes.

Parasol de coche. Sirve para usarlo como reflector para nuestras fotografías

¿Y para disminuir la fuerza y dureza de una luz directa?. 

Pues la "filtramos" con una superficie difusora traslúcida, como en esta fotografía de la mesa con comida o el retrato del niño que os dejo de ejemplos. 

También podemos usar un tejido blanco traslúcido o un papel con características similares, muy fáciles ambos de conseguir.

Pero el asunto es mucho más complejo, ya que no es el origen el único determinante de la iluminación fotográfica. He elaborado un mapa conceptual en el que intento resumir y relacionar todos los factores importantes. Iremos tratando de ellos poco a poco.

Aquí también podéis consultar algunos de estos conceptos.

¿Qué tienen en común los pañales y la fotografía digital?

Las primeras imágenes digitales no procedían de cámaras de fotos. 

El invento surgió por la necesidad de la NASA (sí, los mismos que inventaron los pañales desechables para que a los astronautas no se les congelara el pajarito) de enviar imágenes desde los satélites a la tierra. Las fotos se hacían sobre película fotográfica, y se revelaban y escaneaban los negativos para ser escaneados y enviados por radio a la tierra. 

El paso siguiente fue conseguir las capturas en soporte digital para ahorrarse el "laboratorio espacial". Para ello acudieron a materiales fotosensibles conocidos ya por los ingenieros debido a su aplicación en las computadoras como semiconductores. Estamos hablando de los CMOS, que se utilizaban para almacenar memoria por su capacidad de no perder información una vez apagado el aparato. Corrían los últimos años de la década de los 60 del siglo XX. Para la década siguiente, practicamente toda la información visual que llegaba del espacio, eran capturas digitales. Las fechas concretas son "alto secreto". 

Sin embargo, el nacimiento como sensor digital del CCD en 1974 sí es de dominio público, ya que la empresa Bell la dió a conocer con bombo y platillo. Este dispositivo superaba en calidad al CMOS y ha sido durante años el sensor que llevaban la mayoría de las cámaras digitales del mercado. 

A día de hoy todavía existe un "pique" entre ambos sistemas, y defensores y detractores de ambos dispositivos. Y es que el CMOS se está ahora imponiendo, superando sus defectos iniciales de imágenes más "ruidosas",  por su diseño más compacto, más rapidez y menor costo.  

 Bueno, si tenéis curiosodad por ver en una línea del tiempo los hitos más significativos de la invención y desarrollo de la fotografía digital, os dejo el enlace a un esquema ilustrado que he elaborado con cariño y mucha paciencia. ¡Que os aproveche!.

Por estas Latitudes

En nuestra amada ciudad de Huelva no abundan las actividades culturales, y cuando se organiza algo, suele tener poco apoyo (la salida de las carretas no cuenta).
Que en este contexto se celebre anualmente desde hace cinco años un Festival de Fotografía de primer nivel, es un verdadero milagro, y ¡en plena crisis!.

Sin duda sería todo un pecado no visitar sus exposiciones ni participar en ninguna de sus actividades. Desde la Escuela y con nuestras limitaciones temporales haremos nuestra pequeña contribución asistiendo a alguna de las muestras. Pero si podéis, no os perdáis lo demás.

Por cierto, el cartel es del fotógrafo onubense Julián Pérez, colaborador habitual de la Escuela de Arte de Huelva, y gran profesional.

Aquí os dejo un enlace con la página de Latitudes21

Las Curvas de Camera Raw y Photoshop

Efectivamente Camera Raw es una localidad con una carretera sinuosa, que tiene unas curvas... casi tan peligrosas como las de la vecina Photoshop. Es cierto que a veces, en esos caminos puede haber siniestros, pero si controlas la velocidad y conoces el terreno, no tiene por qué acabar en un accidente.

Existe un especie de miedo a la herramienta Curvas, porque da la impresión de que con el más mínimo movimiento, éstas se mueven como el rabo de una lagartija, de forma casi incontrolable para nosotros (al menos eso me pasó a mí al principio). Así que, muchos acaban cerrando y volviendo a la herramienta Niveles, que parece más amable.

Es una pena, porque a veces necesitamos unos ajustes más precisos que no se pueden hacer con Niveles, y que Curvas sí nos permite.

Para empezar, hay que saber qué estamos viendo cuando abrimos la herramienta: una gráfica cuadriculada con una línea diagonal que la atraviesa, y unos ejes (El eje horizontal del gráfico representa los niveles de entrada y, el vertical, los niveles de salida) con un degradado que va del negro al blanco progresivamente. Además, suele venir superpuesto el histograma de la imagen con la información tonal de la misma.

Además del gráfico, tenemos algunos iconos interesantes: los tres cuentagotas, la curvita, el lápiz y esa mano con el dedito arriba y una flechita (herramienta de ajuste).

A. Muestrear la imagen para definir el punto negro. B. Muestrear la imagen para definir el punto gris. C. Muestrear la imagen para definir el punto blanco. D. Editar puntos para modificar la curva. E. Dibujar para modificar la curva. F. Menú desplegable de tipos de curvas. G. Definir punto negro.  H. Definir punto gris. I. Definir punto blanco. J. Mostrar recorte. 

Se trata de darle una curvatura a esa diagonal. Según la forma que ésta adopte, así serán los ajustes en la fotografía. Los puntos más altos de la diagonal, controlan las luces, los más bajos las sombras y el resto los grises intermedios.

Si movemos los puntos en sentido vertical (hacia arriba o hacia abajo), modificamos el nivel (si bajamos oscurecemos y si subimos aclaramos). Si los movemos en horizontal, si es hacia la derecha se aclaran, y a la izquierda se oscurecen).

¿Y cómo saber sobre qué parte de la imagen estamos "posándonos" al escoger un punto de la diagonal?. Pues escogiendo la manita posándonos sobre la imagen. Se convierte en un cuentagotas y vemos la situación de cada tono en la gráfica. Podemos usar también la mano para corregir la gama tonal manteniendo pulsado el ratón, arrastrando hacia arriba o hacia abajo, según interese. Para eso hay que tener ya un punto seleccionado en la línea. Notaréis que la curva modifica su forma con el movimiento de esa herramienta.

Los cuentagotas (en américa les llaman goteros) son muy útiles, pero hay que asegurarse de hacer clic con ellos en un lugar preciso de la foto, porque es ahí donde el programa toma su referencia para ajustar el blanco, el negro o el gris medio. Para no meter la pata hay "trucos" que podéis leer aquí.

Con el lápiz, podemos literalmente dibujar la curva con la forma deseada (sólo para los que controlan).

Por si os puede aclarar más, tenéis aquí unos tutoriales por escrito sobre Ajustar con Curvas y Curvas de Photoshop. Además os pongo un enlace a un vídeo que trata tanto de Niveles como de Curvas.

Ahí tenéis un video en español sobre las Curvas en Camera Raw

Dime cómo te iluminan y te diré qué pareces

Como habéis podido comprobar en la entrada "dónde situar el foco", con un simple cambio de ángulo es aspecto de una figura, es totalmente diferente.

Ángulos donde situar luces. Imagen extraída de Fotolario

Aquí puedes verlo:

Vamos a comprobarlo con una práctica en el estudio:

Dispararemos 5 fotos con un flash a la altura del objeto (algo más arriba y ligeramente inclinado) en las posiciones siguientes: 0º, 45º, 90º, 135º, y 180º. 

Repetiremos la posición de 0º pero a la altura nádir, y la de 180º a la posición cenital (por encima de la figura e inclinada lo necesario para que alcance la parte superior de la cabeza).

Para completar el trabajo, en la misma hoja donde presentemos cada una de las tomas con sus datos, incluiremos un esquema de la posición de todos los elementos del estudio: cámara, fondo, objeto fotografiado, y flash, indicando la distancia entre todos y la angulación de la luz - no olvidaros de los datos del equipo y del disparo-.

Estos son los disparos de Domingo Díaz

Para el que esté despistado con las matemáticas, son en total 7 fotos con sus esquemas correspondientes.

Para hacer los esquemas podéis ayudaros con esta herramienta creador de esquemas online. Si lo hacéis a mano, que esté limpito y todo bien indicado (los ángulos marcados con su arco y sus grados, y la altura de la luz de cada toma).

Por si queréis crear el esquema en 3D e incluso visualizar el resultado antes de hacer la foto con este programa.

Os dejo esquemas para iluminar retratos: